Maria Lind

Geschwind utvecklade en unik teknik för att skapa verklighetsanimationer . Det vill säga att med hjälp av ljud och ljus skapa animationer av verkliga ting i det fysiska rummet. Resultatet är till exempel en kvast som syns dansa eller popcorn som ser ut att poppa. Liksom i den klassiska konstnärliga tekniken trompe l oeil upplevs verken som sanna, samtidigt som betraktaren är medveten om illusionen. Peter Geschwind (1966 2021) var bosatt och verksam i Stockholm och tongivande inom konstfältet. I sitt konstnärskap utforskade Geschwind en mängd material och tekniker. Ofta återanvände han vardagliga föremål som omdefinierades och laddades med nya betydelser. Hans mestadels lågteknologiska verk med D. I. Y.-känsla leker med populärkulturella referenser, där både humor och melankoli är påtaglig. Geschwind hade en bakgrund inom musiken ljud, rytm och puls finns ständigt närvarande som ytterligare en dimension i hans konstnärskap. Publicerad i samarbete med Bonniers Konsthall i samband med utställningen After Image. Boken finns i en svensk och en engelsk upplaga.

Geschwind developed a unique technology for creating reality animations . Using sound and light to create animations of real things in the physical space. The result is for example dancing brooms or popcorn appearing to pop. Just like in the classic artistic trompe l oeuil technique, the works are experienced as true, while you simultaneously understand that you re being tricked. Peter Geschwind (1966 2021) lived and worked in Stockholm where he had great influence on the field of art. In his artistry, Geschwind explored a variety of materials and techniques. He often reused everyday objects that he redefined and charged with new meanings. The usually low-tech, works have a D. I. Y. feel, playing with popular cultural references, in which humour as well as melancholy are present. Geschwind had a background in music sound, rhythm, and pulse are constantly present as an additional dimension in his artistry. Published in collaboration with Bonniers Konsthall in conjunction with the exhibition After Image . English and Swedish editions available.

Väven av Guld, Hjärtats Alkemiska Resonans är den efterlängtade fortsättningen på Älskad som du är, men fungerar även som en fristående bok för alla som står i läkningen och är redo att skapa sitt nya liv. Denna transformerande bok kombinerar hjärtcentrerad vetenskap med shamansk visdom och visar hur du kan manifestera ditt bästa jag genom att först skapa trygghet i nervsystemet. Författaren Maria Lind, som kallar sig Sagoberättaren från vindens folk, väver samman forskning från HeartMath Institute, neuroplasticitet och kvantfysik med den japanska Kintsugi, konsten att laga trasig keramik med guld. I boken lär du dig: Skapa hjärtkoherens som biologisk grund för manifestation Aktivera ditt framtida jag och leva från den identiteten redan idag Använda Kintsugi-metoden för att hylla dina sprickor som styrka Förstå hur nervsystemet avgör vad du kan manifestera Arbeta med andning och kropp för djup transformation (SOMA Breath, TRE) Navigera motstånd och omvandla det till kraft Använda glädje som intelligent skaparkraft Bokens unika styrka ligger i att den inte ger hundratals övningar som överväldiger. Istället erbjuder den två djupa, kraftfulla meditationer som är allt du behöver, kombinerat med några praktiska väverskeövningar och reflektionsfrågor. Detta är inte en bok om att bli någon annan, det är en bok om att bli mer av den du redan är. Om att ta alla dina trådar, även de trasiga, och väva dem till en väv av guld. För dig som: Redan gjort släppandearbetet och är redo för nästa steg Vill förstå manifestation ur både vetenskapligt och andligt perspektiv Söker praktiska verktyg som verkligen fungerar Längtar efter att leva från ditt högsta jag

Beloved as You Are is a gentle journey through pain, vulnerability, and healing. With poetic language and a therapeutic presence, the book weaves lifes dark spaces together with light, hope, and love for the self. Drawing on themes such as trauma, self criticism, bullying, eating disorders, and the bodys memories, the author explores what it means to meet oneself, not with demands, but with understanding. Each chapter carries both a story and an exercise, designed like a soft hand to hold. Throughout the book, a central message recurs, you do not need to be whole to be worthy of love. This is a book for anyone who has longed to breathe again, sought stillness amidst the struggle, and wished to find their way back to their own heart. With gentle clarity, it shows that healing is not about becoming someone else, but about remembering who you already are. This is a book about finding your way home to yourself. About daring to face the pain, the grief, and the cracks and discovering that they carry light. With quiet words, reflections, and exercises, it guides you through lifes darkness toward inner peace and self love. Here, there is room for tears and hope, for new beginnings, and for remembering. You are not broken. You are human. And where you once shattered, you can now shine, with gold in the cracks. You are not alone. You are beloved. You remain standing.

Älskad som du är är en stilla resa genom smärta, sårbarhet och läkning. Utifrån teman som trauma, självkritik, mobbning, ätstörning och kroppens minnen utforskar författaren vad det innebär att möta sig själv, inte med krav, utan med förståelse. Det här är en bok för alla som längtat efter att andas igen, som sökt stillhet mitt i kampen, och som vill hitta vägen hem till sitt hjärta. Med varsam klarhet visar den att läkning inte handlar om att bli någon annan, utan om att minnas vem du redan är. Det här är en bok om att hitta hem till sig själv. Om att våga möta smärtan, sorgen och sprickorna, upptäcka att de bär ljus. Med stilla ord, reflektioner och övningar leder den dig genom livets mörker mot inre ro och självkärlek. Här finns plats för tårar och hopp, för att börja om och för att minnas: Du är inte trasig. Du är mänsklig. Och där du en gång brast kan du nu lysa med guld i sprickorna.

Den som lever med en stressad och en som är stressad. Denna bok är menat att ge er verktyg att klara vardagen på ett hälsosamt, tryggt och stöttande sätt. Inget förhållande är 50 - 50 för det skulle innebära att du alltid är 100 och att din partner alltid är 100. Om ni väljer att se till att den ni lever med ska må så bra som möjligt och denne gör samma så kommer ni att mötas på ett fantastiskt sätt. Om ni testar, om ni håller ut, om ni hjälper varandra och lär er ett nytt sätt att kommunicera och planera så kommer erat förhållande/partnerskap att ha färre onödiga friktioner. Med hjälp av tipsen och övningarna i denna bok kan även du som partner till en stressad stötta på ett helt nytt sätt. Du behöver inte längre känna dig hjälplös. Vi behöver tänka team och inte fortsätta med det som inte funkar. För hade det funkat så hade ni båda mått bra!

Matts Leiderstams konstnärliga och forskningsbaserade praktik står i nära förbindelse med konstens historia. Metodiskt söker han efter alternativa, queera, berättelser kopplade till att betrakta en målning. Leiderstam undersöker rutnätet som verktyg för bildkomposition, vilket utvecklades under den italienska renässansen. Rutnätet har haft en central roll inom bildskapande sedan dess, även för fotografi och inte minst för den datagenererade bilden, i en samtid där vi oavbrutet är uppkopplade till ett världsomspännande datanät via våra skärmar. Boken ges ut med stöd av Vetenskapsrådet och Siri och Sven-Ivar Linds fond, Kungliga Akademien för de fria konsterna. Matts Leiderstam s art and researched-based work is closely related to the history of painting. He is systematically looking for alternative, queer, narratives relating to viewing a painting. Leiderstam explores the grid as a tool for the composition of images, which was developed during the Italian Renaissance. The grid has been central to image-making ever since, including for photography, and not least for computer-generated images in a contemporary context where we are continuously connected to a global data network via our screens. The book is published with support from the Swedish Research Council and the Siri and Sven-Ivar Lind Fund, Royal Academy of Fine Arts.

Moderna Museet exhibition catalogue no. 416: Björn Lövin -The Surrounding Reality Co-publishers: Moderna Museet & Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König Texts: Gitte Ørskou, Matilda Olof-Ors, Rasmus Fleischer, Maria Lind & Helena Mattsson. Curator: Matilda Olof-Ors Concept and Editorial Work: Matilda Olof-Ors, Jonas Williamsson & Peo Olsson Design: Jonas Williamsson Photography: Albin Dahlström, Mats B, Ayao Yamazaki. Print: Narayana Press. About the exhibition: Björn Lövin -The Surrounding Reality Moderna Museet 2.4 – 18.9 2022 Stockholm With carefully chosen details, Björn Lövin (1937–2009) built up fictional worlds, like film sets, which the visitor could step into. In the exhibition “The Surrounding Reality”, three of Björn Lövin’s extensive environments have been reconstructed. Then, as now, visitors can enter the environments themselves and experience the art from up close. None of Björn Lövin’s original environments were preserved after being presented in their respective exhibitions in the 1970s and 1980s. The environments that you can see now in the exhibition are thus reconstructions interpreting and recreating a similar atmosphere as when the works were first shown. Extensive and winding research has been required to build up the environments. Based on photographs, films and archive documents, objects have been identified. These are the three environments that you will encounter in the exhibition: Consumer in Infinity and “Mr P’s hoard”, L’image and C – The struggle for reality. Curator: Matilda Olof-Ors About Björn Lövin Björn Lövin expanded traditional art genres and was one of the first Swedish artists in the late 1960s to make spatial installations, called environments at the time. He was born in Falun in 1937. In his youth Lövin studied in Barcelona, later attending Stockholm University and Uppsala University to study education, scientific theory and information technology. Despite his lack of formal artistic training, he had his first exhibition at Galleri Mejan in 1970, an early version of the more comprehensive exhibition Consumer in Infinity and “Mr P’s Hoard” – two environments by Björn Lövin that was presented at Moderna Museet the following year. His large scale works were critical to totalitarian systems, ranging from the People’s Home (Folkhemmet) to the consumption society, which includes some and excludes others and attract by offering an image of safety, but at the cost of individual freedom. His first solo show at Moderna Museet was curated by Pontus Hultén and later included solo shows at Centre Pompidou in Paris, Liljevalchs and Kulturhuset in Stockholm and at Malmö Konsthall amongst others.

In her work, Nazgol Ansarinia examines the systems and networks that underpin her daily life, such as everyday objects, routines, events, and experiences, and the relationship they form to a larger social context. This new monograph surveys the artist’s work of the last fifteen years in sculptures, installation, drawing, and video. The individual projects represent ways of understanding the role of architecture in delineating interior end exterior spaces and private and public spheres. Ansarinia’s works are largely observational and technical in their scope, offering insight into the issues that are most pressing and urgent for today’s cities and the populations that inhabit them. This fully illustrated publication features in-depth essays by Media Farzin, Hamed Khosravi, and Maria Lind.

Samtidskonsten kan vara en svamp, en spegel, en kniv och ett redskap för att förstå existensen. Med Konstringar bjuder Maria Lind, curator och skribent med en lång internationell bana, in till möten med tjugo nyckelverk från de senaste tjugo åren. Det är ett subjektivt urval som introducerar den konstintresserade till det nya milleniets vassaste konst. Verken är skapade av några av vår tids mest omtalade konstnärer men även av mindre kända namn. Alla har något viktigt att säga om den tid vi lever i. Lind beskriver också de teman, metoder och sammanhang som konsten frammanar och konfronterar och diskuterar bland annat ekonomi, teknologi, klimat, ojämlikhet och hantverkets återkomst. Konstringarär en kärleksförklaring till konstens möjligheter att ställa svåra frågor och formulera vår tids berättelser – dess förmåga att beröra oss.

Seven years in twenty-first century contemporary art, as seen in a series of columns by curator and writer Maria Lind. Seven Years offers a subjective chronicle of contemporary art during the second decade of the twenty-first century, seen through a series of columns by curator, writer, and educator Maria Lind. Writing for the print edition of ArtReview, Lind considers individual artworks and exhibitions and contributes to conversations and debates developing in the art world and beyond. She explores work by Haegue Yang, Hassan Khan, Uglycute, Tania Perez-Cordova, and Walid Raad, among others, and discusses such exhibitions as dOCUMENTA (13), the Sharjah Biennial 12, the 3rd Ural Industrial Biennial, and several editions of the Venice Biennale. Lind's writings are accompanied by other texts: artists Goldin+Senneby discuss Lind's materialist approach through the use of the word "hand" in the introduction to the volume; Sof a Hern ndez Chong Cuy reflects on how writing can affect curatorial work, and vice versa; artist Ahmet g t conducts an imagined interview with Lind; and Philippe Parreno weaves a summary of the years between 2010 and 2018, highlighting the notion of potentiality. A postscript by Lind's fellow curator Joanna Warsza compiles a glossary of the book's key ideas and terms. ContributorsGoldin+Senneby, Sof a Hern ndez Chong Cuy, Ahmet g t, Philippe Parreno, Joanna Warsza

Carin Ellberg s flowing and hanging figures and objects are articulated in series and variations, where a certain laconic absurdism is formulated through highly personal expression. Ellberg has become known for her interest in everyday life, reflected in her use of domestic, simple materials such as coffee, stockings and clothes in sculptures and paintings. Since 1985 she has also been producing a parallel series of painted self-portraits in three-quarter profile. More recently her work has increasingly opened up to eternal questions such as materiality, the spiritual, and nature. This artist's book is the fruit of many years of work with her archive, from which the artist has chosen images that represent the breadth and depth of her oeuvre in over 200 colour illustrations with texts in both Swedish and English.

Part of the acclaimed 'Documents of Contemporary Art' series of anthologies . This anthology reconsiders crucial aspects of abstraction's resurgence in contemporary art, exploring three equally significant modes or strategies explored in current practice: formal abstraction, economic abstraction and social abstraction. In the 1960s movements as diverse as Latin American neo-concretism, op art and 'eccentric abstraction' disrupted the homogeneity, universality and rationality associated with abstraction, opening up new forms of engagement with the phenomenal world and the possibility of diverse readings of the same forms, ranging from formalist and transcendental to socio-economic and conceptual. A second discourse that emerges in the 1980s via the writing of Peter Halley, Fredric Jameson and others, engages with abstraction through the consideration of an increasingly abstracted world in terms of its economic, social and political conditions - all increasingly manifested through abstract codes or sites of style. Such economic abstraction is primarily addressed in art as a subject or theme, but in Deleuze and Guattari's notion of art as abstract machine possibilities emerge for art's role in the construction of a new kind of social reality. In more recent art a third strand emerges: a form of social abstraction centred on the strategy of withdrawal. Social abstraction implies stepping aside, a movement away from the mainstream, suggesting the possibilities for art to manoeuvre within self-organized, withdrawn initiatives in the field of cultural production. Artists surveyed include: Lee Bontecou, Louise Bourgeois, Amilcar de Castro, Paul Cézanne, Lygia Clark, Kajsa Dahlberg, Stephan Dillemuth, Marcel Duchamp, Gardar Eide Einarsson, Günther Förg, Liam Gillick, Ferreira Gullar, Jean Hélion, Eva Hesse, Jakob Jakobsen, Jasper Johns, Donald Judd, Wassily Kandinsky, Sol LeWitt, Piet Mondrian, Bruce Nauman, Hélio Oiticica, Blinky Palermo, Lygia Pape, Mai-Thu Perret, Jackson Pollock, Tobias Rehberger, Bridget Riley, Emily Roysden, Lucas Samaras, Julian Stanczak, Frank Stella, Hito Steyerl and Theo van Doesburg. Writers include Alfred H. Barr Jr., Ina Blom, Lynne Cooke, Anthony Davies, Judi Freeman, Peter Halley, Joe Houston, Fredric Jameson, Lucy R. Lippard, Sven Lütticken, Nina Möntmann, Gabriel Perez-Barreiro, Catherine Quéloz, Gerald Raunig, Irit Rogoff, Meyer Schapiro, Kirk Varnedoe and Stephan Zepke.